Intro :

AHAE, Fluctuat nec mergitur

L’histoire que je vais raconter est probablement digne d’un des meilleurs scénarios de thriller coréen.  Je ne serai pas étonné que BONG Joon Ho réalisateur coréen, palme de d’or à Cannes en 2019 avec Parasites, réalise un film sur cette affaire.

BONG Joon Ho, délai de prescription et délai de décence

Si Bong Joon Ho à laisser entendre lors du festival Lumière à Lyon en Octobre 2019 que son prochain long métrage serait du genre fantastique (car oui BONG Joon Ho semble respecter scrupuleusement une alternance entre films de genre fantastique ou science-fiction et films sociétaux)

Alors même que le tueur présumé du film Memories of murder vient d’être identifié.

A titre de comparaison l’affaire du tueur de Hwaseong dont le scénario de Memories of murder est titré, c’est un peu l’ « affaire Grégory » coréenne, trente ans d’errances policières et judiciaires, une affaire hors normes.

L’annonce a fait l’effet d’une bombe en Corée du Sud. La police a indiqué jeudi qu’elle avait démasqué un des pires tueurs en série du pays, pensant avoir élucidé une énigme criminelle sur laquelle elle se cassait les dents depuis 1986. Cette histoire de meurtres particulièrement atroces de femmes a longtemps hanté et passionné les Sud-Coréens, au point que le cinéaste Bong Joon-ho, en a tiré un long-métrage en 2003, « Memories of Murder ».

Si la police a révélé avoir identifié un suspect, confondu grâce à l’ADN, certains médias ont donné le nom de ce serial killer présumé : Lee Chun-jae.

Cet homme de 56 ans purge une peine de prison à vie pour le viol et le meurtre de sa belle-sœur, commis en 1994 à Cheongju. Le voilà soupçonné d’au moins trois des neuf crimes (NDLR : un 10e a été commis par un « imitateur » arrêté depuis) perpétrés entre 1986 et avril 1991 dans le secteur de Hwaseong, au sud de Séoul.

Je peux me planter totalement, il est aussi possible que son prochain film sociétal aborde la question de la religion en Corée et se déroule à Séoul, peut être dans le quartier de Gangnam

Pourquoi Bong Joon Ho, ferait un film sur AHAE ?

Cette histoire commence ou plutôt fini, comme le film Memories of murder. Le 12 juin 2014, le poste de police de Suncheon, une ville située à 300 kilomètres au sud de Séoul, près de la côte du détroit de Corée, reçoit un appel d’un promeneur déclarant avoir trouvé un cadavre dans un verger dans la magnifique baie de Suncheon. Arrivés sur les lieux, les policiers coréens découvrent un corps dans un état de décomposition avancé. Autour du cadavre, plusieurs bouteilles d’alcool vides leur laissent penser qu’il s’agit d’un sdf victime de son alcoolisme. Afin de l’identifier le corps est envoyé à la morgue où seront pratiqués des tests ADN , …

Mais, stop ! Remontons quelques semaines en arrière.

On a vu en Corée en 2019 soit cinq ans après le drame apparaître les premières fictions sur le drame du Sewol, de même que le documentaire 13 novembre, Fluctuat nec mergitud sur les attentats du 13 novembre 2015 sorti en 2018 sur Netflix. On peut estimer quand 2020 sortiront en France les premières fictions sur les attentats du 13 Novembre, on aura atteint ce qui semble être le délai de décence

Le jour où la Corée fluctuat et sombrât

Le 16 avril 2014 au petit matin, un ferry de la compagnie coréenne Cheonghaejin Marine Company, le Sewol, quitte le port d’Incheon, situé sur la mer Jaune, à une cinquantaine de kilomètres à l’Ouest de Séoul. Il doit se rend à l’île de Jeju, une île volcanique paradisiaque au sud de la péninsule, avec, à son bord, 476 passagers, des containers et des véhicules. A 9h du matin, au milieu de la mer Jaune, le ferry soudain se penche et prend du gîte. L’inclinaison entraîne un mouvement de la cargaison mal arrimée qui ripe et fait basculer le navire. A 13 heures, le ferry a disparu. Sur les 476 passagers et membres de l’équipage, seuls 172 seront sauvés. La plupart des 304 morts ou disparus sont des lycéens d’une même école – le vice-proviseur, rescapé du naufrage, se suicidera. Cette tragédie a profondément traumatisé la Corée du Sud et entraîné, à cause de l’incompétence des pouvoirs publics, la démission du Premier ministre le 27 avril. Ce drame national a poussé la société coréenne a s’interroger sur le sens de la croissance économique, sur le fait qu’elle n’est pas été capable de protéger son bien le plus chère, ses enfants.

En termes de photographie, j’ai choisi de vous présenter le travail du photo reporter KIM Hong Ji, pour évoquer cette tragédie. Sur son site vous pouvez voir son reportage sur la couverture du naufrage du Sewol « coverage of sewol » sur lequel il fut envoyé par son agence (REUTERS) dans les heures qui ont suivi l’annonce du naufrage, vous pourrez voir également le reportage qu’il réalise un an après en photographiant les familles dans les chambres vides des disparus « bedrooms of remenbered »

Les lycéens disparus étaient de la même génération que ma belle-fille, celle de 1997. Cette génération n’avait pas pu faire les traditionnels voyages prévus en primaire et au collège. En 2003, il y a eu l’épidémie de SRAS, ma belle-fille qui vivait alors en Corée, avait elle-même contracté la maladie et avait failli y passer. Pour limiter la propagation de l’épidémie, les déplacements en groupe avaient été restreints et en 2008, la crise financière, provoquée par subite cessation de paiement de la dette coréenne, la dévaluation du Won, qui avait failli emporter toute l’économie mondiale. Ma belle-fille, elle à cette époque découvrait la France. Ce voyage, c’était leur dernière occasion avant l’université.

Les suites de cet état de choc profonds des coréens, après plusieurs mois de manifestations, provoqueront la destitution de la Présidente Park Geun He, impliquée dans un énorme scandale de corruption. La profonde remise en cause de la gestion de cette tragédie nationale et de sa défaillance a protéger ses enfants, la Corée a depuis mis en place des mesures de gestion des catastrophes naturelle et sanitaire qui lui ont permis d’être très bien préparée pour affronter la crise sanitaire du Covid 19.

Pendant les quelques heures précédant la chute de Park Geun He, elle semble avoir été tentée de se maintenir au pouvoir par un coup d’Etat militaire. Même si depuis la justice a identifiée quelques conjurés, il est notable que l’Etat major et les plus hauts gradés de l’Armée sud-coréenne lui ont probablement laissé entendre qu’il ne fallait pas insister, qu’il valait mieux pour sa sécurité personnelle partir gentiment dormir en prison, démontrant ainsi l’attachement de cette institution pour la démocratie, de cet état dans l’état, car il est indéniable que l’armée à un point considérable dans l’économie et la société sud-coréenne, ce qui est logique dans un pays juridiquement en guerre depuis 70 ans.

A la faveur de l’enquête, Yoo Byung-eun, le président de la compagnie maritime à laquelle appartient le Sewol, est mis en cause pour détournements de fonds et évasion fiscale. C’est un personnage important, un milliardaire âgé de 73 ans, inventeur (d’une poire à lavement, non ce n’est pas des conneries !), fondateur d’une secte évangélique dans les années 60 (l’Eglise du Salut)), et dont l’origine de la fortune est mystérieuse. Il a de solides appuis politiques – c’est un ami des anciens (et défunts) présidents de la République, Chun Doo-hwan et Lee Myung-bak. Il garde des « dossiers », dit-on, plus ou moins compromettant, sur beaucoup de monde.

Or, en ce début du mois de mai, mystérieusement Yoo Byung-eun disparaît.

Reprenons le fils de notre histoire, les tests ADN pratiqués sur le corps retrouvé dans la baie de Suncheon, qui ont permis d’identifier le corps comme étant celui de YOO Byung Eun, alias AHAE, dont la résidence se situait à quelques kilomètres. L’enquête tachera de déterminer les circonstances du décès, autour duquel subsistent des zones d’ombre : temps d’identification très long et possibles arrangements autour du pouvoir sud-coréen.

Si je me retrouve aujourd’hui a vous raconter cette histoire sur un blog censé parler de photographie c’est pour raison bien précise.

Yoo Byung Eun était également connu sous son nom d’artiste AHAE …

Le Louvre, Versailles, et un village français, totalement enfumés

Deux ans plus tôt, dans le métro parisien, de grandes affiches de 4 mètres par trois, annoncent l’exposition des œuvres de Ahae, photographe coréen, au musée du Louvre. Nul ne connaît cet artiste dont le musée montrera, dans le jardin des Tuileries, deux cents photographies durant tout le mois de juillet.

L’exposition s’intitule « De ma fenêtre », car Ahae fait toutes ses photographies de la même fenêtre de sa maison en Corée. Depuis deux ans, il s’accoude à la traverse et prend entre 2000 et 4000 clichés par jour.

4000 putains d’images par jour ! Quand je me fais une grosse journée de photo de rue avec 200 ou 300 images, ou un mariage avec 500 à 800 photos, et que je passe au tri, j’ai déjà grave envie de me suicider à la javel, alors 4000 photos par jour, Bordel !

Il photographie les saisons, les animaux, la nature, le temps qui passe…

Henri Loyrette, alors Président du Louvre et préfacier du gros catalogue, est enthousiaste. L’année suivante, Catherine Pégard, Présidente du Château de Versailles, ne le sera pas moins lorsque, à propos de ces mêmes photographies exposées durant deux mois dans l’orangerie du château, elle écrit : « L’instant se confond avec l’éternité ».

Alerte #Bullshitphotographie

« L’instant se confond avec l’éternité »

Catherine Pégard, Présidente du Château de Versailles

Des magnats des grands groupes industriels aux dirigeants de pme, la photographie une passion assez répandue dans les milieux d’affaires

Hanmi, diabète et photographie

Par une très chaude journée de l’été 2018, dans un Séoul étouffant, alors que ma femme doit aller donner un coup de main à une amie pour son travail, je laisse ma belle-fille comater à l’appartement après une sortie en boîte du côté de Gangman avec ses copines la veille. Je me décide à aller explorer en solo le quartier de Jamsil, d’aller prendre le frais au musée de la photographie de Séoul  et d’aller tenter ma chance en street photographie du côté du parc olympique juste à côté.

En sortant du métro, je suis attiré par le portique monumental qui marque l’entrée du parc olympique des JO de 1988, ou un petit groupe de jeunes free styler BMX semblent chiller à l’ombre en effectuant quelques rides.

Je me pointe et déclenche deux, trois fois en essayant de composer un truc avec la flamme olympique.

Le résultat me laisse mi figues, mi raisins. La superposition de la flamme avec le rider, sa forme de dragon, lui donnant une allure de cavalier de l’apocalypse, la grande avenue en arrière-plan sont très plutôt cools, mais la connerie de vitre qui protège la flamme et qu’on n’arrive pas à sortir du cadre, me prend la tête.

Après faut savoir que si elle est là, ce n’est pas pour rien, une flamme olympique ça chauffe un max, au point que ça sent vite le cochon grillé quand tu passes tes mains au-dessus de la vitre pour faire ta photo (Ndl, au passage je ne suis pas sûre que la lentille frontale de l’objectif ai vraiment appréciée l’expérience, mais il a survécu). Les coréens ont déjà des traditions culinaires qui peuvent en choquer certains, poulpes vivants, …, de jeunes enfants grillés au barbecue ça ne le ferait vraiment pas.

Après cette expérience, tout feu, tout flamme, je me dirige avec hâte du côté du Musée de la Photographie de Séoul. Il s’agit d’un musée privé et gratuit, il est hébergé dans le siège social de la compagnie pharmaceutique Hanmi, un immeuble de bureau en verre de taille relativement modeste pour Séoul, une quinzaine d’étages.

Le musée occupe le dernier étage de la tour, on trouve à l’entrée un café qui est aussi la salle de pause des employés, on peut y prendre un café, une pâtisserie en profitant de la vue sur le parc olympique ou en bouquinant l’un des ouvrages de photographie mis à disposition, plutôt très cool comme salle de pause !

Le musée a été créé par LIM Sung Ki, fondateur et président de Hanmi. Ce médecin qui a fait fortune (12^ème patrimoine de Corée et 804^ème rang mondial selon le magazine Forbes, bon ça c’était en 2018, avant que la boite se fasse invalider un brevet sur un médicament contre le diabète, mais bon il peut vite se refaire, son labo et dans la course pour les traitements du et vaccin du SRAS COV 2) en  commercialisant des traitements innovants contre le diabète, a pour violon d’Ingres la photographie.

Ah et au fait posons la question du pourquoi le business du diabète tourne à plein en Corée, la nourriture est plutôt plus saine qu’en occident, mais on bouffe beaucoup, on boit aussi pas mal, du soju en particulier et puis il y a la génétique.

Je découvre l’expo temporaire Nature as Playground et le travail de Taewon JANG pour lequel j’ai un vrai coup cœur.

Ilkka HALSO, une pincée de Gursky au pays de Bae Bien U

Nombreux sont les photographes ayant cherché à dénoncer les problèmes de la déforestation :

Que ce soit en réalisant des images et l’esthétique et à la plastique parfaite qui accrochent notre yeux et qui ont dès lors toute leur place dans le lobby d’une grande compagnie désireuse de pratiquer un peu de green washing, Michael Yamashita, Yann Arthus Bertrand, Michael Nichols.

Ou en ayant un message plus sensible et profond comme Sebastio Salgado.

Mais il y en a un qui, sans aller en Amazonie, a réussi à porter un message aussi fort qu’en photographiant des contrées dévastées : c’est Ilkka Halso.
Dans sa série « Naturale », le photographe finlandais a créé des images où l’arbre se trouve stocké dans des hangars, comme un meuble Ikea. L’absurdité de ces photographies font froid dans le dos. Ilkka Halso a également créé de toute pièce un musée de la nature où chacun peut aller observer la nature comme bon lui semble. « Vous venez les enfants ? On va voir une forêt au cinéma ? »… Oui c’est le genre de conversation qu’on imagine en regardant le travail de cet artiste.

« Oui ! Je travaille sur le projet de création d’un gigantesque entrepôt, type “IKEA”, dans lequel on pourrait entreposer la nature et la vendre. Un écosystème complet pourrait être acheté dans ce magasin et assemblé à la maison ; quelque chose comme cela… »

Ilkka HALSO

« Il y a 2 approches dans ma méthode de travail.

La première est de construire des structures afin de mettre la nature en lumière, puis je photographie l’ensemble. J’utilise un appareil photo de grand format et un scanner. Il n’y pas trop de retouche d’image.

L’autre fait plus appel à la technique du collage. Je commence par photographier des éléments dans la nature et dans différents endroits, que je mixe avec des vues 3D construites à l’aide de logiciels informatiques spécifiques. La composition finale et les retouches sont réalisées avec Photoshop. »

Ilkka HALSO

On est pas loin des procédés techniques utilisés par Andreas Gursky.

Pour appréhender la technique et l’oeuvre d’Andreas Gursky, je vous recommander de regarder la vidéo ci dessous écrite par Thomas Hammoudi et présentée et réalisée par Laurent Breillat.

Vu du confinement due au Covid 19, dans lequel je me trouve au moment ou j’écris ces lignes et qui proscrit probablement pour longtemps toute entorse à la distanciation sociale, la combinaison entre la photographie de Gurski et la citation de Martin Parr, ont quelque chose d’assez prophétiques je trouve ! Le détail qui tue étant le gars en tee shirt blanc qui porte celui en protection buco nasale.

La travail sur la masse, l’accumulation, la duplication à l’infini assez emblématique du travail photographique d’ Andreas Grusky évoque pour moi le travail du peintre coréen LEE Ung no.

Silhouettes noires sur fond blanc pour LEE Ungno, Silhouettes blanches sur fond sombre pour Andreas Grusky, … un bel effet de négatif !

L’individu et la multitude

Ces échappées belles sont aussi l’écho d’une vie d’artiste malmené par l’histoire. On appelle Lee Ungno «L’homme des foules», car il peint en apôtre de l’individu et de la multitude. Soupçonné d’espionnage au profit de la Corée du Nord, comme nombre de démocrates, il fut prisonnier politique durant deux ans et demi sous la présidence de Park Chung-hee (1917-1979) et peintre militant pour la paix et la démocratie dans ses dernières années.

Évitant tout excès dramatique, Lee Ungno dessine au pinceau noir des foules unisexes qui tourbillonnent dans l’espace de la toile blanche, souvent de grand format. Ses petites figures en série forment des vagues ou des spirales dynamiques, longue chaîne de la vie qui fait écho aux premières représentations humaines et à la langue des signes d’A.R. Penck (1939-2017), peintre allemand disparu le 2 mai dernier, lui aussi malmené par l’histoire de sa patrie.

Bae Bien U, Sebastio Salgado, Ilkka HALSO, … Des approches différentes pour un même sujet

Les séries Naturale et Museum of Nature de Ilkka Halso est très éloignée par sa réalisation technique et son esthétique finale de la photographie d’un grand maître coréen de la photographie, Bae Bien U, pourtant le propos est assez similaire.

« En fait au commencement du projet “Museum of Nature”, il n’y pas de message écologique ou l’idée de créer un monde meilleur.

Bien sûre cela ne me gêne pas que l’œuvre soit assimilée à une démarche écologique, mais mon travail prend plutôt ses racines dans l’observation de la nature et l’assimilation des nouvelles technologies. C’est une sorte de simulation moderne du contrôle de la nature par les sciences. Cela doit nous faire réfléchir sur le devenir de la Nature. Quelles sont nos méthodes pour la rendre sûre et profitable ? Quel crédit peut-on accorder à cette interprétation ? »

Ilkka HALSO

Son travail est une réflexion sur la communion avec la nature. En ce qui concerne la première, la civilisation occidentale matérialiste l’a réduite à l’état d’objet à exploiter au prix de destructions environnementales, et il n’est pas fortuit, qu’en peinture, elle ait cultivé l’art du portrait, tandis que l’Orient lui préférait les paysages. En effet, dans la culture de ces deux mondes, s’exprime une vision différente puisque les paysages peints du second ne montrent pas un Homme en dominateur de la nature, mais en partie intégrante de celle-ci, dans la mesure où il les voit tous deux en osmose. Dès lors, c’est à l’Homme qu’il appartient de s’adapter, voire de se soumettre aux lois de la nature car elle est source de vie et constitutive d’un monde avec lequel il lui faut vivre en harmonie. L’esthétique du vide se révèle inhérente à la nature par Bae.

Le photographe met l’accent sur la relation entre l’Homme et la nature. La communion avec la nature est le leitmotiv de l’œuvre photographique de Bae. Elle reflète la préoccupation du peuple coréen à vivre en harmonie avec celle-ci. Bae voit dans le pin un contact entre le ciel et la terre. Il réussit à figer sur papier toute la dramaturgie et la magie du lieu mythique et l’énergie vitale des arbres pour les restituer en méditations intenses.

Bae pratique la photographie depuis les années 1970, mais depuis 1985, son travail s’oriente essentiellement autour de l’immortalisation des forêts de pins typiques de la Corée. Ce choix  ne semble pas anodin puisque le pin est un arbre à la signification sacrée dans la culture coréenne où il est considéré comme symbole de longévité. Selon lui, « les pins sont les symboles de l’âme du peuple coréen. »

Né en 1950, Bae Bien-U vit et travaille à Séoul en Corée du Sud. Il exerce l’art de la photographie depuis une quarantaine d’années. Aujourd’hui, il est devenu incontestablement le plus grand photographe coréen. Reconnues dans le monde entier, ses oeuvres au langage universel reflètent avant tout la préoccupation de son peuple à vivre en harmonie avec la nature.

Bae Bien-U photographie en panoramique une nature en perpétuel mouvement, sans trace humaine.

Il ne reproduit pas la nature : il la reconstruit au moyen de cadrages singuliers. Les plans sont écrasés (arbres, rivages coupés, tronqués) à tel point que la perspective paraît abolie. Le temps et l’espace, ainsi distordus, semblent suspendus dans le silence de la photographie. Ses clichés sont d’une spectaculaire beauté, d’une rigueur et d’une inventivité formelle qui empruntent à la fois à la tradition de la peinture classique orientale et à l’histoire de l’art européen et américain du XX^e siècle.

Le spectateur n’est plus devant mais à l’intérieur d’un paysage telle une « fiction naturelle ». Ses séries emblématiques sur les arbres sacrés, l’océan et les Orums (collines volcaniques d’une île coréenne) encouragent l’esprit du spectateur à s’évader et méditer dans ce paysage.

Projet Museum of nature ILKKA HALSO

Taewon JANG, l’empreinte de l’homme sur la nature par le totem

Le travail de Taewon JANG dans sa série Stained Ground

Je n’ai pas pu m’empêcher de faire le rapprochement avec la série The Crimson Line de Trent PARKE

Les typologies photographiques de Bernd et Hilla Becher

Bernd et Hilla Becher sont un couple de photographes allemands qui depuis les années 50 photographient des bâtiments industriels comme des puits de mine, des châteaux d’eau, des usines ou des silos à grains.

Leur particularité est de toujours les photographier avec la même lumière ( ciel couvert ), le même cadrage ( frontal et centré ) et la même technique ( chambre 20×25, téléobjectif pour éviter les déformations ) de façon a créer des typologies de ces constructions qui mettent en valeur à la fois leurs points communs et leurs différences.

Ils présentent ensuite leurs photographies sous forme de panneaux de 9 ( ou plus ) photographies de petits formats qui renforcent l’aspect de catalogue scientifique de leur travail.

Depuis 1976 ils enseignent la photographie à l’Académie des beaux-arts de Düsseldorf où ils ont enseigné à des photographes comme Andreas Gursky, Thomas Ruff ou Thomas Struth.

Réflexions à sortie de l’expo

En ressortant du building de Hanmi pour replonger dans la torpeur d’un après-midi brulant dans les rues de Séoul, je tombe sur une très grosse berline de marque premium coréenne (celle qui ne sont pas distribuées en Europe) stationnée sur le trottoir juste devant l’entrée. Un chauffeur attend, en donnant un dernier coup de chiffon sur la carrosserie impeccable d’un noir profond du véhicule. Je tue un peu le temps en essayant de trouver une composition intéressante avec le reflet sur la façade vitrée du bâtiment, d’ouvriers qui font des petits travaux sur la chaussée.

Je me laisse surprendre quand le passager tant attendu se décide à sortir du bâtiment, il parcourt d’un pas hâté les quelques mètres qui le sépare du véhicule, c’est bien le big boss, j’ai juste le temps alors qu’il est prêt à s’engouffrer dans la berline de lui bredouiller avec mes quelques mots de coréens « Anyeong Hasseo, Photography museum, many gémihita » (traduction : Bonjour, le musée de la photographie, très interressant !), le gars m’adresser alors un thank you ! avec un grand sourire avant de disparaitre  derrière les vitres teintées.

Vers une institutionnalisation de la photographie coréenne ?

La photographie coréenne ne bénéficie pas du appuis étatique que d’autres arts

Le rayonnement économique et culturel de la Corée s’appuis depuis longtemps sur le concept de « soft power »

L’état coréen fourni un appuis financier, organise les différents arts au service de son rayonnement culturel.

Avec le cinéma c’est KOFIC

Avec l’édition c’est PATI (voir article Ahn Sang Soo)

JUNG Jae Il, une BO de Maestro

Comme j’ai ouvert ce billet par une évocation de l’oeuvre du réalisateur BONG Joon Ho, il était juste d’y associer le travail d’un des plus grand compositeur actuel, JUNG Jae Il, auteur notamment de la bande originale du film Parasite.

Pour ne rien vous cacher il se trouve que j’ai déjà rencontré Jung Jae Il

너의 노래는(Your Song)

Bon la boucle est bouclée, lors du générique final du premier épisode du documentaire, au moment ou mon épouse Eun Jeung est créditée en tant que coordinatrice locale, c’est la trop trop belle chanteuse IU qui est à l’écran, c’est la classe absolue !

Elle se trouve lors de cette interview au sein d’une exposition présentée par le Musée national d’art moderne et contemporain MMCA de Séoul, devant un tableau de JUNG Jae Ho, dont le travail évoque clairement une partie de l’oeuvre photographique d’Andreas Gursky.

Ce qui est intéressant, c’est dialogue entre le photo-réalisme de la peinture acrylique sur papier coréen de JUNG Jae Ho et la photo-tableau d’Andreas Gursky

Pour conclure ce post, je ne résiste pas a vous mettre exceptionnellement une photo perso.

Pour une photo prise au téléphone, je trouve que la symétrie, le point de fuite, de la composition sont plutôt cool, bien sûre la plage dynamique ultra réduite de mon très vieux One Plus One fait que ce qui est à l’extérieur au soleil est totalement cramé, c’est dommage. Je remarque que ce jour là j’étais le seul a avoir pris une bière, tout le reste de l’équipe tournait au soda. J’ai même eu droit au fond de la table a une pose « V sign », bien dans l’esprit In Kimchi we Trust.

AHN Sang Soo a deux passions. La première, celle pour laquelle il est reconnu internationalement dans le monde de l’art et du design, c’est la typographie coréenne : le hangeul. La seconde, plus personnelle, plus « amateur », c’est la photographie. Nous y reviendrons un peu plus tard, mais pour cerner AHN Sang Soo, sa place et son influence dans la société coréenne, commençons par dresser le portrait de ce passionné du signe coréen, qui a su faire sortir le hangeul de son carcan traditionnel.

Hangeul, 500 ans de signes de « coréanité »

AHN Sang Soo est fier d’être issu d’un pays qui a inventé son propre alphabet il y a plus de 500 ans comme alternative au chinois. L’histoire du hangeul est connue, c’est d’ailleurs l’une des seules écritures dont l’origine reste certaine : en 1443, le roi coréen Sejong invente un alphabet pour remplacer l’écriture chinoise en place dans le pays, jugée trop complexe et moins adaptée aux sonorités coréennes, et ainsi démocratiser l’éducation.

« Le hangeul est fait de symboles, qui ont un sens.

Le style est important, mais pour être efficace, le style doit améliorer la signification du symbole. »

AHN Sang Soo

Le hangul est considéré par beaucoup de coréens comme un symbole d’indépendance. La forme des lettres du hangul est déterminée par leur sonorité car elle se base sur la position de la langue dans la bouche. La ligne est simplifiée au maximum dans une variation de ronds et carrés de façon qui la rend lisible aussi bien verticalement qu’horizontalement.

  »Chaque signe est une représentation de la forme de la bouche, de la langue, des lèvres et de la position de la glotte. Il reste aujourd’hui le seul caractère au monde dessiné pour suivre la physiologie du langage »

Le moment Sejong

« Il est des moments dans l’histoire où tout concourt à un équilibre heureux : le retour à la paix, la reprise économique, le ralliement du plus grand nombre au système de gouvernement. Le règne du roi Sejong (1418-1450) que parachèvent ses héritiers jusqu’en 1494, constitue sans conteste un de ces moments. Pour les Coréens d’alors, pour ceux d’aujourd’hui comme pour les historiens, le XV e siècle fut indubitablement une renaissance et un apogée. Non une période de domination et de gloire comme le siècle de Louis XIV, mais un âge d’or tel qu’en rêvent les Coréens, c’est-à-dire, après tant de guerres, de catastrophes et de malheurs, un âge de paix, de prospérité et de renouveau. Sejong fut le roi qu’il fallait à cette renaissance : stable, équanime, curieux et néoconfucéen. Loué dès la fin de son règne et par tous ses successeurs, il est considéré depuis comme un des plus grands héros du pays, le père de la patrie coréenne. On ne compte plus les monuments, les études, les romans, les films et, rançon de la modernité, les sites internet qui lui sont consacrés. Aujourd’hui, la première artère de la capitale coréenne, où se trouve le centre culturel Sejong, a été baptisée avenue Sejong, de même que la cité nouvelle bâtie près de Daejon et censée pendant un temps (2004-2008) remplacer Séoul en tant que capitale. Comme le billet de dix mille wons constitue toujours le titre de paiement le plus courant et que Sejong en est l’effigie, chaque Coréen est amené chaque jour à contempler l’image de ce grand roi et à se rappeler son œuvre. »

Pascal Dayez-Burgeon

Né en 1952 à Chungju, l’artiste, graphiste, designer, typographe AHN Sang Soo est célèbre pour avoir su moderniser le hangul tout en respectant ses caractéristiques traditionnelles. Il est le chef de file de la nouvelle génération de graphistes coréens. 

Pour cet alphabet extrait du ‹ carcan ›, le graphiste a conçu plusieurs polices de caractères très géométriques : le Leesang, le Myrrh, le Mano et le Ahn-Che. Cette création typographique, qui a permis à un nouveau mode d’expression d’émerger en Corée, a valu à son auteur une reconnaissance nationale.

Sang-soo Ahn obtained his BFA and MFA in 1981 from Hongik University, Seoul. He also received his Ph.D in 1996 from Hanyang University, Seoul and Honorary Doctor of Design in 2001 from Kingston University, London.
After college, Ahn worked for an advertising agency for five years. From 1981 to 1985 he worked as an art director for “Madang” and “Meot” magazine. Subsequently he started Ahn Graphics design firm. Then, in 1991 he began his professorship in Typography at Hongik University, his alma mater, and retired 2012. Moreover, he has been the editor and art director of the underground art-culture magazine “report/report” since 1988.
Internationally, Ahn was vice-president 1997-2001 of Icograda, and the chairman of Icograda Millennuim “Oullim” Congress 2000 as well as TypoJanchi 2001-present. He is the 1998 recipient of the Grand Prix of Zgraf8, and the 2007 Gutenberg Award from Leipzig, Germany.
He has been a professor in CAFA Beijing, and visiting professor Royal College of Arts, London in 2018. Since 2013, he established new experimental private design school, PaTI, Paju Typograhy Institute in Paju Bookcity in Korea.

Letter : Tribute to Marcel, signe artistique

Duchamp, un signe en tête

Le parcours artistique de AHN Sang Soo est marqué par quelques photographies particulièrement marquante. L’une d’elle est une photo de l’artiste prise après avoir rasé ses initiales à l’arrière de la tête.

Intitulée «Lettre: Hommage à Marcel», l’œuvre fait référence à Marcel Duchamp, qui a également inscrit une étoile à l’arrière de la tête comme une déclaration artistique.

« Sans l’avoir prémédité Duchamp a fait de sa vie une œuvre d’art. C’est seulement deux ans avant sa mort qu’il accepte cette évidence. Cette idée s’est forgée tout au long de son parcours, elle n’a jamais été programmatique pour lui. Il n’a jamais rien décrété. Cette photographie permet de comprendre qu’il est un individu qui a décidé sans le savoir mais en le faisant, de faire de sa vie une œuvre avant que d’être un artiste au sens traditionnel du terme. […]

Cette tonsure a une histoire. Duchamp se rase la tête pour rendre hommage à la blessure d’Apollinaire reçue pendant la grande guerre. Le cliché de Man Ray date de 1919. Il est atypique car Duchamp a toujours été une personne réservée. Cette marque, plus qu’une lubie, est attachée indéfectiblement à sa personne. »

Bernard MARCADé – Biographie de Marcel Duchamp

Apollinaire, le signe du calligramme

Un calligramme est un poème dont la disposition graphique sur la page forme un dessin, généralement en rapport avec le sujet du texte, mais il arrive parfois que la forme apporte un sens qui s’oppose au texte. Cela permet d’allier l’imagination visuelle à celle portée par les mots.

Apollinaire invente le mot « Calligramme » en contractant deux mots : calligraphie (art de la belle écriture)     et idéogramme (signe représentant un mot ou une idée).

Il nomme également ces poèmes  idéogrammes lyriques. Le lecteur ne doit plus se contenter de lire, il doit déchiffrer le poème comme s’il s’agissait d’un hiéroglyphe .

Bon alors à ce stade, ceux qui suivent me suivent encore dans mes délires d’analyses pseudo artistiques capillotractées, attachez votre ceinture. On est sur le point de boucler la boucle…

L’œuvre de AHN Sang Soo est en effet totalement blindée de calligrammes. Il en produit début ses débuts, et continu d’en sortir régulièrement.

Nous sommes donc confronté ici à une première piste surréaliste dans l’oeuvre de AHN Sang Soo.

La passion d’Ahn Sang-Soo, c’est la typographie coréenne : le hangueul. Fier d’être issu d’un pays qui a inventé son propre alphabet il y a 500 ans comme alternative au chinois, Ahn Sang-Soo a créé de nombreuses polices de caractère en hangueul, le faisant sortir de son carcan traditionnel. Il est également à l’origine de Typojanchi, la première biennale internationale de typographie en Corée.

Enseignant à l’université de Séoul, graphiste reconnu, Ahn Sang-Soo est également un infatigable voyageur, arpentant le monde et les jurys internationaux, s’imprégnant de l’histoire, des arts et des traditions des uns et des autres sans jamais perdre de vue sa ‹ coréanité ›. C’est probablement ces incessantes rencontres aux quatre coins du monde qui font que, selon l’affichiste Michel Bouvet qui l’admire, ‹ à [ses] yeux, son œuvre, pourtant si éloignée de nos références culturelles, nous est si spontanément familière. › Créateur influent auprès de la jeune génération de graphistes coréens, Ahn Sang-Soo construit une œuvre cohérente, douce et ferme à la fois qui, bien qu’elle soit fort éloignée des préoccupations occidentales, ne cesse de nous parler et même de nous interpeller. »

« Ahn Sang-Soo étudie le graphisme à l’université Hong-ik à Séoul. Il débute dans une agence de publicité, puis assure la direction artistique de deux magazines, Madang et Mot. Il fonde ensuite son agence, Ahn Graphics, qu’il dirige jusqu’en 1991. Son travail est extrêmement diversifié : édition, publicité, livres scolaires, quotidiens nationaux, mais aussi commandes pour IBM ou les Jeux de Séoul. Ainsi que des recherches d’auteur : le magazine Bogoseo/bogoseo, des revues de poésie. Ou les photos dites ‹ cache œil ›, inspirées de la couverture du premier numéro de Bogoseo/bogoseo en hommage au poète Kim Ji-ha. Depuis, comme un exercice de style, il a saisi plus de 1 600 hommes et femmes qui se masquent un œil avec une main. »

« De nombreux spécialistes considerent le Hangul comme le plus parfait système d’écriture d’un point de vue scientifique. Ils justifient leur point de vue en notant la construction systématique du Hangul qui repose sur la forme des organes vocaux lorsqu’ils prononcent le son. Ainsi, le ‘T’ dans notre alphabet occidental représente un son qui n’a rien à voir avec la forme des organes vocaux. Son homologue coréen ‘’ représente la manière dont la langue touche le palais supérieur. Une autre des caractéristiques les plus intéressantes du Hangul est sa facilité d’apprentissage et ce aussi bien pour des Coréens que pour des étrangers. Il y a une dizaine d’année, l’UNESCO a reconnu cette spécificité remarquable en instituant le prix de littérature du Roi Sejong qui honore les personnes qui ont contribué à l’éradication de l’illétrisme dans le monde. Grâce au Hangul, la Corée a ainsi un des plus bas taux d’illétrisme dans le monde.

Signes poétiques célébrant le hangeul dans la ville

Toutefois, ces points sont à nuancer. En effet, tous les sons de la langue coréenne ne sont pas retranscris dans le Hangul. Il n’existe ainsi pas de signes distincts pour exprimer les sons ‘g’, ‘b’, ‘d’ et ‘j’ qui existent pourtant en coréen et sont représentés par les lettres ‘k’, ‘p’, ‘t’ et ‘ch’. Il n’en reste pas moins que le Hangul répond parfaitement à la fonction d’une écriture à savoir de retranscrire aisément, lisiblement et le plus fidèlement possible une langue. Les Coréens en sont bien conscients eux qui fêtent tous les 9 octobre le Hangul Day. »

« En Corée, le ministère de la Culture fête chaque année l’anniversaire de l’alphabet Hangul, que le graphiste illustre par des affiches. Des paysages urbains ou maritimes en noir et blanc, où semblent danser puis tomber ses caractères géométriques en couleurs. Une rencontre percutante et fine entre image et texte. ‹ Il y a fort longtemps, les mots étaient des étoiles, quand ils ont acquis un sens, ils sont retombés sur terre ›, écrit ce poète sur une autre de ses œuvres.

Bomb fish on the Seashore, signe des temps

Il y a dans l’œuvre de AHN Sang Soo une image frappante. C’est le poster Bomb fish on the seashore, crée en 1991 pour le Front DMZ Arts Movements. Une photographie, faite d’un noir et blanc gris avec les silhouettes des bombes américaine amassées le long de la mer sur la côte coréenne. Des signes géométriques blancs s’envolent au-dessus d’elles.

A ce sujet, l’affichiste français Michel Bouvet, exprime ses sentiments ainsi :

« Nul besoin de comprendre ce qui est écrit, pour saisir l’incongruité monstrueuse de ces milliers de bombes. »

Michel BOUVET – Graphiste

Cette affiche réalisée par AHN Sang Soo, doit être vu comme l’introduction d’une nouvelle mythologie dans l’approche artistique de la DMZ, de la frontière inter-coréenne. En effet, inlassablement, la reconnaissance graphique et photographique de cette zone est fréquemment liée à différentes mythologies antiques ou contemporaines, comme je le souligne également dans l’article Une Masterclass de composition (nec) plus ultra, par Park Chan Wook, relevant l’idée de colonnes d’Hercule, …

AHN Sang Soo, fait naître des paysages surréalistes de Maehyang-ri, de la superposition de caractères typographiques indéchiffrables mais pourtant bien compréhensibles de manière universelle, l’expression d’une mise en garde contre un monstre marin envahissant la péninsule.

Tentative de décryptage

Deux rond relié par un trait = transition hyperfine de l’atome d’hydrogène (sondes Pioneer)

Triangle surmonté de trois pics = indicateur radar de cible

Les cinq ronds reliés = Molécule (nul en chimie, pas molécule d’eau mais possiblement une autre molécule)

Cette vision de AHN Sang Soo est reprise, retravaillée et approfondie quelques années après par le photographe KANG Yong Suk, dans une série consacrée à Maehyang-ri.

Signes blancs et cygne noir

Qu’est ce qui fait la différence dans le traitement du sujet par AHN Sang Soo et KANG Yong Suk ?

AHN est plus contrasté (il y a des cailloux sur le rivage quasiment aussi blanc que la typographie ajoutée en post-production, le noir des bombes est pratiquement totalement bouché). Son cliché de Maehyang-ri a du grain, il est probablement fait au Leica ou au reflex 35mm (argentique ou numérique, difficile d’être formel sur ce point). Le cadrage, la composition de l’image est fait a l’instinct, elle ne semble pas extrêmement réfléchie, il y a de la perspective, les ombres sont très marquées. Ce qui compte pour le photographe « amateur avancé » qu’est AHN Sang Soo c’est de rendre dans son image la violence de la scène qu’il immortalise. Mais AHN possède en plus du langage photographique, celui des mots, de la calligraphie, de la typographie.

KANG, lui est volontairement gris voir grisouille. Sa série ce caractérise sur le plan technique par l’absence de grain visible. Combinée au format carré, cela semble indiquer que c’est fait la chambre photographique ou au moyen format à minima (Je n’ai pas trouvé au cours de mes recherches pour préparer cet article d’informations sur le matériel utilisé par KANG Yang Suk, mais disons que si il avait utilisé un moyen format Hasselblad 500 tel que ceux utilisés sur la Lune par les missions Apollo, cela aurait du sens).

Inventée par l’essayiste Nassim Nicholas Taleb, l’expression « Cygne Noir » est passée dans le langage courant. Plus que le seul imprévisible, elle désigne l’événement statistiquement presque impossible mais qui se produit tout de même.

Le désastre en cours est en train de transformer en objet culturel grand public cette notion jusque-là réservée aux initiés. Qu’est-ce que le cygne noir ? C’est une expression inventée par l’essayiste Nassim Nicholas Taleb qui l’illustre de la façon suivante. Si vous vous postez au bras d’une rivière où passent des cygnes, et que vous commencez à les compter, le nombre d’oiseaux blancs vous fera déduire que tous les cygnes sont blancs – jusqu’au jour où contre toute attente, un cygne noir apparaîtra. Autrement dit, le cygne noir, l’oiseau, est, dans cette histoire, le signe de la dissonance statistique, que les anciens appelaient le destin, et les mathématiciens, le hasard – le signe d’un accident d’autant plus inimaginable que tout a été prévu et calculé, mais accident qui arrive quand même, et dont les conséquences sont impensables.

Les prédictions sérieuses sur l’émergence de contagions planétaires par des virus inconnus ont commencé à se multiplier dans les années 1990/2000. Vers cette époque, on s’est mis à considérer que la multiplication des échanges permise par la globalisation aboutirait un jour ou l’autre à la transmission de nouvelles maladies. La grippe aviaire, le virus H1N1, sont venus confirmer l’intuition. Ces dernières années, en Occident, pas un seul document de prospective n’a négligé cette hypothèse. Pourtant, depuis que la pandémie a bel et bien frappé, la plupart des gouvernements sont pris de court. En dépit, ou à cause de leur sophistication, nos sociétés modernes se voient ainsi renvoyées à la vieille question de l’histoire humaine – la question de Job, reformulée en 1756 par Voltaire, dans son poème sur le tremblement de terre qui venait de faire près de 60 000 morts à Lisbonne : pourquoi « Dans le mieux ordonné des univers possibles, un désordre éternel, un chaos de malheurs, mêle à nos vains plaisirs de réelles douleurs » ?

Sensation de côté irréel, brouille la réalité

Interprétations culturelles du mythe du Léviathan

Le Léviathan est un monstre mythologique colossal, dont la forme n’est pas précisée. Suivant les cultures il peut prendre la forme d’un dragon, d’un serpent, d’un crocodile, ou encore d’autres formes monstrueuse, il est fréquemment associé au milieu aquatique. Il peut être considéré comme l’évocation d’un cataclysme terrifiant capable de modifier la planète, et d’en bousculer l’ordre et la géographie, sinon d’anéantir le monde. Le Léviathan est également, selon certaines versions, l’u des principaux démons de l’enfer. Il est représenté au Moyen Âge sous la forme d’une gueule ouverte qui avale les âmes, symbolisant ainsi l’entrée de enfers.

Loin d’être un simple ornement du livre, le frontispice du Léviathan en est une composante essentielle. Hobbes accordait en effet une extrême importance aux images et à la rhétorique afin de persuader le lecteur²⁵. Probablement réalisé à Paris par le graveur Abraham Bosse, sur les instructions précises de Hobbes, cette gravure constitue une des plus profondes illustrations jamais produites d’une théorie politique^26,27. Elle a été abondamment commentée, notamment par Foucault, qui a dénoncé la philosophie et déconstruit le modèle juridique du pouvoir proposé par Hobbes

Le mythe du Leviathan, revient régulièrement dans l’art et la culture populaire sud coréenne, citons par exemple le film The Host de BONG Joon Ho.

De Bomb fish on the seashore à The Host en passant par From Maehyang-ri, nous sommes confronté à un même thème, traité de manières différentes par trois artistes de l’image : un graphiste AHN Sang Soo, un photographe KANG Yong Suk, un cinéaste BONG Joon Ho. Je trouve ça terriblement enrichissant en terme de culture de l’image et de compréhension de la société coréenne.

PaTI, signe académique

One eye project, un œil sur la photographie coréenne

Le designer coréen Ahn sang soo réalise en 1988 une couverture pour le magazine coréen bogoseo/bogoseo. Dans un geste spontané, il se photographie lui-même, l’œil droit recouvert d’une main et la bouche de l’autre.

Depuis, Ahn sang soo poursuit le projet « one eye », sorte de mélange entre le work in progress et le journal intime, pour lequel il photographie des personnes, au hasard de ses pérégrinations à travers le monde, à qui il demande de poser en se cachant un œil.

Voir le monde d’un seul oeil. Par la répétition (le nombre de photographies dépasse aujourd’hui les 30 000), ce geste simple devient une sorte de symbole universel que chacune des personnes photographiées s’approprie dans des attitudes et environnement différents.

L’histoire commence en 1988, pour la couverture du magazine bogoseo/bogoseo, le célèbre graphiste coréen Ahn Sang-Soo réalise un auto portrait sur lequel il se couvre un œil avec sa main. Satisfait de l’effet spécial créé par cette altération du visage, il décide de poursuivre ce projet et de photographier des personnes au hasard de façon similaire. Après 20 ans de pérégrinations, il présente ce travail à la galerie d’art et design OCT, située dans la ville de Shenzhen en Chine. Ces photographies conceptuelles sont pour lui un moyen d’expression symbole d’un langage universel.

Ahn Sang-Soo a probablement capturé plus que quiconque la façon dont les photographes voient le monde: à travers un œil. Sa série (et vous pouvez y contribuer si vous le souhaitez, comme la photo ci-dessus soumise par Sonya Stupenkova) montre des gens de tous horizons voyant à travers un œil, tout comme lorsque vous êtes chez l’optométriste et qu’elle ou il vous dit de placer une main devant l’un de vos yeux – ou comme le font les photographes lorsqu’ils regardent dans leur appareil photo. Eh bien, pas tant pour les photographes d’aujourd’hui puisque nous utilisons principalement l’écran LCD, mais plus pour ceux qui utilisaient les appareils photo argentiques d’autrefois. Peut-être que quelqu’un devrait commencer à photographier des gens avec les deux bras étendus?

Une photographie, signe surréaliste

La pose cache œil, est un signe que l’on retrouve beaucoup chez les surréalistes.

L’œil Cacodylate de Francis Picabia, c’est un peu comme quand on a une jambe cassée et que l’on fait signer son plâtre par ses amis, chacun y va de son petit mot. Francis Picabia avait un zona à l’œil et a fait signer sa toile a tous ses copain du mouvement Dada. Du « work in progress » ou carnet intime photographique, qu’est One eye project, de Ahn Sang Soo on retient un peu cette idée de l’intime, de la bande, du « crew » dont on souhaite garder une trace, un signe.

Indestructible objet est une œuvre de l’artiste Américain Man Ray, créé à l’origine en 1923. Le travail, détruit en 1957, se composait de métronome avec une photo d’un œil attaché à son bras oscillant. Il a été refaite en plusieurs exemplaires dans les années ultérieures, et d’objets renommée Indestructible. Il est considéré comme un « ready-made», à la suite dans la tradition relativement nouveau créé par Marcel Duchamp d’employer ordinaires objets manufacturés qui habituellement ont été modifiés très peu, voire pas du tout, dans les œuvres d’art.

Une photographie, technique

Une photographie, signe d’appartenance

Photographier sa communauté, insta ruedalgerie Jim La Souille

Une photographie du cœur qui ne juge pas …

En republiant sur son blog du projet One eye cette photographie Park Won Soon réalisée en 2014, en juillet 2020 lors de la tragique disparition du maire de Séoul, qui s’est suicidé alors que des accusations de harcèlements s’apprêtaient a le viser, AHN Sang Soo, ne juge pas. DSK ou Bérégovoy ? Là n’est pas la question. Il s’agit ici de rendre un dernier hommage à une connaissance, un ami, un homme respectable pour ce qu’il a entrepris durant sa vie politique.

Que faire des mains dans le portrait photographique ?

Intégrer les mains dans le portrait d’une personne peut avoir de l’intérêt mais c’est vraiment un truc casse gueule. Photographier les mains est très difficile, une main en photographie ça a vite fait d’être très moche.

Il y a un grand maître de l’utilisation de la main dans le portrait photographique, c’est Irving Penn

La main sur laquelle repose la tête

J’avais l’espoir d’appuyer toute ma démonstration sur le positionnement de la main dans le portrait photographique sur le travail d’Irving Penn, et d’ouvrir ce petit exposé sur une photo de Picasso, mais là dès le début ça merde.

Il n’y a certes une photo iconique de Picasso faite par Irving Penn, mais pas de main sur la tête.

Par contre il y a celle ci assez One Eye.

Je me vois donc obligé de me rabattre sur le taff d’Arnold Newman et René Burri. Bon, en même temps c’est dégeu non plus.

La main qui repose sur la joue

La main sur laquelle repose le menton

La main qui tend l’oreille

La main qui tient un objet

Ceci n’est pas une pipe

René Magritte

Par contre, ça …

René Magritte

Les mains sur les genoux

La disparition des mains

La main qui cache l’œil

Indubitablement, la main cachant l’œil dans le portrait photographique au XXème s’associe fréquemment au surréalistes.

Le combo ultime de la main dans le portrait photographique

Petite typologie de signes de mains « photogéniques »

V for Victory

Korean heart

Si un jour je vous prends en photo, ne faites pas cela. J’ai déjà tranché des mains à la machette pour moins que cela !

Middle Fingers-up

Cette photo de l’équipe de baseball des Boston Beaneaters prise en 1886 est la première photo où l’on voit quelqu’un faire un doigt d’honneur.
C’est le lanceur Charles Radbourn que l’on voit dans le coin haut à gauche faire un doigt d’honneur, surement à l’équipe adverse des New York Giants.

Dans la matière photographique il existe de nombreuses apparition de ce geste dans l’œuvre de différents photographes. A titre perso, je retiens la récurrence du geste dans les travaux de Michael Wolf.

Ce geste a joué un rôle dans plusieurs évènements politiques.

Au cours de l’incident du Pueblo, la Corée du Nord capture un navire américain; durant les prises de photos, il était courant que les membres de l’équipage montrent un discret majeur levé afin de gâcher l’effet pour la propagande chez l’armée adverse; comme les nord coréens ignoraient le sens de ce geste, les prisonniers leur ont d’abord expliqué qu’il s’agissait d' »signe hawaïen de bonne chance ». Ca c’est vraiment what’s the fuck !

Poing levé

D’où vient le symbole du poing levé ?

L’usage du poing levé se retrouve le jour de la condamnation: le 12 juin 1964, Mandela et ses compagnons de l’ANC apprennent qu’ils sont condamnés à la prison à vie pour trahison. Une fois la sentence prononcée par le tribunal de Pretoria, ils sont emmenés à l’extérieur dans un fourgon de police. Les condamnés lèvent le poing au travers des barreaux.

Je ne sais pas si il est très habile et opportun de faire un quelconque rapprochement entre ses deux images. Mais j’ai quand même tenu a vous présenter également cette photographie de Cartier Bresson.

Un des poings levés le plus célèbre du XX^e siècle reste d’ailleurs celui de Mandela marchant vers la liberté le 11 février 1990, main dans la main avec sa femme Winnie. Une libération suivie en direct par les télévisions du monde entier, qui va donner au poing levé sa plus grande postérité.

Entre ces deux photos, la signification a évolué. Le poing levé qu’on a pris l’habitude d’associer à Mandela sera moins synonyme de colère et de combat une fois que l’ancien prisonnier deviendra président et réconciliateur de la nation sud-africaine.

Dans son action politique, «il a levé sa voix pour la tolérance, pas son poing pour la revanche», écrit par exemple le Chicago Tribune, qui explique dans un éditorial que les conditions d’une explosion de colère étaient réunies, mais que «Mandela n’a pas fait ce discours de colère. Il n’a pas levé ce poing fermé. Il n’a pas déchaîné la revanche contre les blancs qui avait fait des noirs des victimes. Au lieu de cela, il a prêché la tolérance et la réconciliation».

Les origines du poing levé

Mais le poing levé ne date pas de Mandela. Signe tout à la fois de lutte, de colère et de solidarité, le poing levé jalonne toute l’histoire des mouvements de gauche révolutionnaire du XX^e siècle. Dans un article de 2005, Gilles Vergnon, maître de conférences d’histoire contemporaine à l’IEP de Lyon, en retrace la genèse ainsi:

«Au mitan des années trente, en Europe, le poing levé devient le signe d’appartenance par excellence de la gauche, surtout de la gauche antifasciste, qui s’oppose aux troupes du bras tendu.»

Dans la photographie coréenne, c’est surtout au nord de la péninsule que l’on retrouve la présence du geste du poing levé dans le vocabulaire visuel de la propagande nord coréenne.

One eye project, la consécration du peuple avant celle des institutions

Et si le fait d’avoir inventé un signe photographique vernaculaire qui imprègne la société était une reconnaissance encore plus importante que d’être exposé dans une grande institution de la photographie.

J’en ai fais l’expérience. Mon épouse coréenne avait avant la crise sanitaire une petite activité de guide touristique, faisant visiter Lyon et la région à des voyageurs coréens. Je l’ai fréquemment accompagné pour faire des petits reportages souvenir façon « photographe de destination ». Au cours de ces reportage, j’ai fréquemment vu nos visiteurs prendre la pose en se cachant un œil.

L’œuvre surréaliste de Ahn dans l’inconscient des coréens

au delà de son apport au design, il a transmit aux coréens un signe de reconnaissance qui les poussent a s’interroger sans cesse sur ce qu’ils sont, une démarche surréaliste qui colle à la modernité sans renier les traditions.

Les artistes surréalistes coréens contemporains

eva eun-sil han

Jee Young Lee

BO : Leessang, le signe d’une petite entreprise qui ne connait pas la crise …

Le côté ultra graphique de cette vidéo est pour moi dans la même veine que le travail d’AHN Sang Soo. Dans cette chanson où il est question de « lèvres rouges »

Compte tenu de la saturation de l’industrie du divertissement sud-coréen, il n’est pas étonnant que la plupart des MV aient tendance à opter pour le format éprouvé de l’emporte-pièce pour attirer les téléspectateurs. Par conséquent, quand un tel MV est publié, je ne peux pas m’empêcher de m’asseoir et de m’émerveiller de l’ingéniosité qui est affichée.

Tout d’abord, toute la vidéo était en stop-motion, avec le duo et leur invitée, Tasha, jouant une variété de scènes allongées sur le sol avec des arrière-plans variés:

À travers tout cela, ils jouent l’histoire de deux mecs qui courent après les affections d’une fille. Étant donné que le thème de la chanson est celui d’un homme qui traverse une rupture, la corrélation entre la vidéo et la chanson est très pertinente. Le stop motion est également chronométré pour suivre le rythme de la chanson, ce qui conduit à une très belle synchronisation.

Cependant, il y avait cette petite partie du MV qui m’a amené à dire «hein»?:

Bien que je comprenne qu’ils essaient de créer des visages en utilisant leurs formes corporelles, le symbolisme de ce segment particulier est perdu pour moi. Il semble n’avoir aucun rapport avec le thème général dans le reste du MV. Si un lecteur peut m’éclairer à ce sujet, je l’apprécierais beaucoup!

Production

Compte tenu de la nature stop motion de la vidéo ainsi que du fait que tout a probablement été fait sur un seul grand espace au sol, la production de ce MV a probablement coûté très peu à la société de production. Je suis toujours un grand fan de MV «bons et bon marché», donc des accessoires pour l’équipe de production.

Bien que dans l’ensemble, il y ait eu peu de défauts dans la production, il y avait une partie particulière qui m’a dérouté:

À cette époque où les vidéos sont diffusées en Full HD (y compris cette vidéo), avoir un segment où il y avait une pixellisation très claire indique une négligence de la part de l’équipe de post-production. Je suis presque sûr que les formes du corps ont été prises à une résolution beaucoup plus élevée que cela; s’ils savent qu’ils effectuaient un zoom avant sur cette partie, ils auraient dû prendre une photo de résolution beaucoup plus élevée afin qu’aucune pixellisation ne se produise lors du zoom avant.

Résumé

Un MV très agréable avec une technique de tournage ingénieuse, la chanson entraînante et émouvante vous fera chanter sous peu. Comme toujours, la vidéo youtube complète est fournie ci-dessous:

• Gary (Rap)
• Gill (Chanteur principal, Rap)

Leessang est un groupe de hip-hop/rap coréen composé de deux ex-membres du groupe Honey Family. Ils font partis du collectif The Movement lancé par Drunken Tiger. Formé en 2002, ils sont connus pour leurs collaborations avec des artistes tel que Drunken Tiger, Big Mama King, Park Hwayobi, …

LeeSsang a décidé d’ouvrir sa propre entreprise de management, Leessang Company.

Leur chanson « Ballerino » en featuring avec ALI a connu un véritable succès en Corée du Sud.

Pourquoi, j’aime LeeSsang ? Dans la voix bien roque de Gill, il y a un côté rock argentin ou brésilien des années 80 – 90 qui m’enchante. Une voix à la Charly Garcia, ou façon Lenine

Cet article même si il peut être lu indépendamment est la suite logique de l’article In kimchi we trust – Avant propos, c’est pourquoi je vous recommande de lire cet article avant celui-ci

A une lettre près, on aurait pu croire que j’allais vous parler un obscur dirigeant d’une célèbre banque d’extrême orient connue pour ses pratiques plus que douteuses, et qui est par ailleurs, notons-le au passage, un important acteur du mécénat de la photographie. Petit aparté, si ça vous intéresse dans connaitre un plus sur le sujet, je vous conseille le documentaire d’Arte sur cette fameuse banque et l’ouvrage Les Paradis de Paolo Woods et du photographe Gabriele Galimberti.

Au passage, Gabriele Galimberti doit être amateur de photographie coréenne, je dis ça, je dis rien !

Mais, non, HAN Young Soo est à mon sens le Henri Cartier Bresson Coréen

Né dans une famille aisée de Kaesong, actuellement ville nord-coréenne frontalière avec la Corée du sud, en 1933, Han Youngsoo a étudié le dessin et la peinture durant sa jeunesse et s’est mis à la photographie par passion.

Dans un important nombre de photographie de Han Youngsoo on peut retrouver cette influence de la peinture classique, aussi bien occidentale que coréenne, à l’image de sa fascination pour les paysages urbains et les rives du fleuve han sous la neige qui évoquent les tableaux du grand maître flamand du XIVème siècle Pieter Brueghel l’Ancien.

Plus tard dans sa carrière, ses photographies de paysages de son livre « nature of korea » auront parfois un style proche des estampes coréennes classiques de l’époque Joeson

Le traumatisme de la guerre

Après avoir pris part à des affrontements acharnés en tant que jeune soldat sud-coréen pendant la guerre de Corée (1950-1953), Han Youngsoo rentre à Séoul à la fin du conflit et découvre une ville dévastée et appauvrie.

« Personnes en période de convalescence

 

La guerre avait emporté beaucoup de choses. Non seulement il avait piétiné sans pitié nos chères familles et nos voisins, mais aussi leur bonheur, leur espoir et, plus encore, l’humanité elle-même. Comme si cela ne suffisait pas, à la fin, il avait complètement détruit tout ce qui se présentait sur la terre, laissant derrière lui ruines, désespoir, famine et chagrin.

L’avènement soudain du 38e parallèle a mis en péril le bonheur éphémère de l’indépendance nationale et a ainsi ouvert la voie aux tragiques années cinquante. Au plus fort de la guerre de Corée, je traversais la ligne de front en tant que soldat confronté à cette tragédie et assistais à d’innombrables scènes qui me rendaient furieux. »

 

HAN Youngsoo – Life

Pour les artistes coréens de l’après-guerre, la peinture figurative se renouvelle avec cette génération. Le célèbre Bœuf blanc (1954) du peintre expressionniste Lee Jung Seob, terriblement amaigri est à l’image du pays, de ses habitants et de cet artiste qui ne parvient pas à s’arracher à la misère. 

Han Youngsoo, lui surmontera le traumatisme de la guerre en se montrant émerveillé par la vie qui reprend racines sur les ruines du conflit.

« J’ai quitté l’armée avec ces horribles souvenirs intacts et je me suis retrouvé au milieu d’une vie qui portait encore des traces de suie de la guerre. Mais ce qui était encore plus surprenant et stupéfiant en même temps, c’était peut-être le fait ordinaire que «les gens vivaient». Bien qu’un sentiment de futilité, de tristesse, de choc et de désespoir persiste, les gens s’enracinaient sur le terrain pour tenter de trouver leur place dans ce monde.

Bien que luttant contre les conséquences multiples de la guerre de Corée, les années 1950 ont été une période de reprise. J’ai pu retrouver espoir en regardant les villes et les communautés rurales en train de se reconstruire, animant les marchés et dans les yeux étincelants des enfants le rire que j’avais oublié. Lentement mais régulièrement, je retrouvais ma propre humanité.»

HAN Youngsoo – Life

Ses photographies racontent cette histoire en offrant une fenêtre fascinante sur la vie quotidienne des hommes, femmes et enfants ordinaires de la ville.

Bien qu’il n’ait pas oublié la survivance des coutumes et l’architecture du vieux Séoul, Han Youngsoo propose une photographie qui documente une société coréenne résolument tournée vers la modernité. Il y a dans son travail, une vue remarquable sur les collines en terrasses surpeuplées avec des habitations traditionnelles au toit de tuiles

La colline de Hongje dong de Han Youngsoo, c’est la Serra Pelada de Salgado en négatif,

le tas plutôt que le trou !

C’est le point de départ du film publicitaire de Hyundai, c’est le point de départ de la photographie de HAN Youngsoo

L’émergence de la photographie réaliste coréenne

En choisissant la photographie comme profession, HAN Youngsoo a assisté à une période de profonde transformation à Séoul, marquée par la création rapide d’une ville et d’une société urbaine moderne. Ses photographies, rarement vues en dehors de la Corée jusqu’à présent, offrent une fenêtre fascinante sur la vie quotidienne changeante des habitants de la ville au cours d’un moment historique.

D’un point de vue actuel, ses photographies sont une surprise. Avec leur impeccable composition, un timing parfait et une attention scrupuleuse aux détails sociaux, il fait dire à Christopher Phillips, critique d’art, curateur indépendant et professeur au département de photographie et d’images de la Tish School of the Arts de New York, qu’il

Han Youngsoo « est un cousin coréen éloigné des premiers photographes de Magnum comme Henri Cartier-Bresson, David Seymour (Chim) et Marc Riboud »

Christopher Phillips

SI l’image de la photographie humaniste occidentale nous vient si facilement à la vue des photographies de Han Youngsoo et de ses contemporains, c’est aussi parce que cette époque est celle de l’émergence d’une nouvelle photographie coréenne.

« En regardant les trente années que j’ai passées à capturer une ère de bouleversements, peut-être que la seule chose qui me restait était la passion, et aujourd’hui, j’ai un livre. Je réalise maintenant que c’est ce qui m’a conduit à une vie de photographie dans laquelle j’ai progressivement ouvert mes yeux à la photographie et aux merveilles de la vie elle-même.

La Corée et ses habitants ont connu une croissance massive en trois décennies. La rétrospection par temps froid peut être pénible, mais ne peut-on pas convenir que le passé est la mère d’aujourd’hui ? »

Han Youngsoo

Avec cette citation de Han Youngsoo, la boucle est bouclée, on n’est pas loin du slogan de Hyundai “le progrès n’arrive pas par chance, il est façonné par son histoire”.

Ces deux citations constituent un appel a se replonger dans le passé et les origines de la photographie coréenne pour mieux comprendre la photographie contemporaine coréenne.

Comme l’évoque Chang Jae Lee, curateur de l’exposition Traces of Life, donnée à la Korean Society de New York en 2012, dans son ouvrage Traces of Life : Seen throug Korean Eyes, 1945-1992. La photographie coréenne jusqu’au années 50, c’est uniquement la photographie des rois, des dirigeants politiques, coloniaux, des héros militaires, …

La photographie est arrivée en Corée par l’intermédiaire de missionnaires et d’autres voyageurs occidentaux (Collection Georges BIGOT). Elle a ensuite été utilisée par les japonnais comme un outil politique étroitement contrôlé au cours de la période coloniale en Corée.

La représentation photographique de la Corée et de son peuple avant 1945 était ainsi définie par une perspective externe, quand bien même elle était à l’origine de photographes coréens.

Dans l’environnement géo politiquement et politiquement chargé de la Corée de l’après libération, le passage à la représentation de soi par les photographes coréens a été marqué stylistiquement par l’adoption du « Réalisme de la vie ». Pour Sun Il, curateur du au Musée de l’Université Nationale de Séoul, ce changement signifiait que « les coréens pouvaient enfin se voir de leur propre point de vue ».

Sun Il situe le point de départ de la photographie coréenne moderne dans le plaidoyer en faveur du « réalisme de la vie » de Lim Eungshik. Ce changement de style a distingué ces photographes du « style Salon » populaire pendant l’occupation coloniale et a caractérisé leur travail comme étant spécifiquement coréen.

De l’influence de The Family of Man sur la photographie coréenne

Un mode réaliste était depuis quelque temps le mode dominant de la photographie occidentale, culminant avec l’exposition The Family of Man. Ce qui fait du « réalisme de la vie » le point de départ de la photographie coréenne moderne plutôt qu’un singe de la photographie occidentale n’est pas tant stylistique que politique. Défendre et se consacrer à ce style par opposition à celui des générations précédentes qui travaillaient sous le régime colonial devait être lu comme un ace politique même si leurs photographies étaient pour la plupart apolitiques.

A ce stade on va regarder calmement ce qu’en dit « Barbar sur une télé 3D Phillips », Kamoulox ! (Vous comprendrez plus tard)

Korea – The impact of war in Photographs, la Corée réduite à la vision occidentale

Avant de se plonger sur la question de savoir qu’elle influence ou non a eu l’exposition The Family of man sur la photographie coréenne, il est intéressant de jeter un coup d’œil à une autre exposition, moins connue, mais commise également par Edward Steichen, himself. Cette expo c’est Korea – The impact of war in Phtotographs.

A cette époque l’US Army est en P.L.S sur le front de la guerre de Corée. En janvier 1951, Séoul vient d’être reprise par les troupes nord coréennes et leur alliés chinois. « les forces  de la liberté » sont sur le reculoir face à la « pourriture communiste » (NDL : Désolé, mais ça fait toujours du bien de caser des citations de la cité de la peur des Nuls). 

Douglas Mac Arthur (qui est avec Eisenhower, Montgomery et Joukov probablement l’un des plus grands stratège militaires qui permirent aux Alliés de remporter la victoire sur le Nazisme et l’Impérialisme japonnais), est sur le point de péter une durite et d’être débarqué in extrémiste avant qu’il n’atomise la Mandchourie, la Corée du Nord, la Chine et pourquoi pas l’URSS et provoque un apocalypse nucléaire global, Stanley Kubrick s’en inspirera pour son Dr Folamour.

Durant la seconde guerre mondiale, Edward Steichen a servi en tant que chef du service photographique de la Navy américaine et il a aussi organisé deux grandes et populaires expositions créés pour remonter le moral des troupes : Road to Victory in 1942 et Power in the Pacific en 1945 (PDF du catalogue de l’expo disponible sur le site du MOMA).

Ses états de services, le fait qu’il soit l’un des photographes américains les plus renommé du début du XXème siècle et qu’il soit devenu chroniqueur de la vie artistique et des affaires des élites américaines, lui permettent en 1947 de prendre la direction du département de photographie du MOMA. Il le restera jusqu’en 1962.

En 1951 Steichen organise donc sa troisième exposition au MOMA consacré au combat, Korea – the Impact of War in Photographs. Il espère que montrer ces images du conflit, permettra aux spectateurs de détester la guerre.

Cette exposition proposée au MOMA de New York du 13 février au 22 avril 1951 a eu pour projet de montrer l’impact de la guerre en Corée au travers de plus d’une centaine de tirage de 25 photographes issus aussi bien de la presse magasine comme Life Magazine, d’agences de presse comme comme Associated Press, Acme, International News Photos, mais aussi des forces armées américaines.

Passage en revue des troupes par une galerie de portraits, présentation un brin caricaturale des coréens avec dixit la checklist de l’exposition (disponible ici) un garçon coréen, Syngnan Rhee (Le dirigeant sud coréen), un vieux coréen à la pipe, un vieux coréen au chapeau, on est là toujours dans la représentation externe des coréens tel qu’elle préexiste jusqu’alors.

On note la présence d’un nombre important de photographies de Carl Mydans, photo reporter du magazine Life.

On passera sur le recadrage effectué à la sauvage par Stienchen, qui flingue bien la composition de Mydans. Le sujet (la sucette) n’est plus centrée au milieux des deux formes arrondies (le volant et la roue de secours), le symbole phallique peut être un peu trop évident est dégagé en touche par le puritanisme de Steinchen.

Cette image de Mydans et son titre seront fréquemment reprise comme illustration du « Soft power » de « l’impérialisme US.

Du tapis de bombes en veux tu en voilà, … Des villes en ruines, des silhouettes non identifiables de civils fuyant les combats. Les photographes de l’air Force vont a l’essentiel.

De artillerie lourde, des armes technologiques de pointes, l’hélicoptère dans les années 50 est un moyen tactique vraiment nouveau, une réunion au sommet autour du plan de bataille des représentants des quatre armes de l’armée américaine, l’air force, l’armée de terre, les marines et la navy, bref une cimaise bien « corporate ».

David Douglas Dunan, ou la photographie 3D comme essence de cette expo

Indubitablement, l’intérêt majeur de l’exposition de Steinchen réside dans la force des images capturées par le photographe aux 3 D, David Douglas Duncan.

Le travail de Duncan en Corée est décrit ainsi par Steinchen.

« la marée la plus élevée que la photographie de combat ait atteinte »

Edward Steinchen

Pour découvrir la carrière photographique de David Douglas Duncan, je vous recommande la très bonne vidéo de la super chaîne Youtube Photo Synthèse.

« Monter quelque chose de ce qu’un homme endure lorsque son pays décide d’aller en guerre »

David Douglas DUNCAN – This is War, 1951

Le livre se divise en trois chapitres. Chacun est consacré à un problème spécifique posé par le combat militaire : pour le premier, il s’agit de l’assaut d’une colline ; pour le deuxième, de la prise d’une ville ; pour le troisième, d’une retraite.

Bon, on en parle, ou pas ! Mais pourquoi donc Steinchen a recadrer (voir la mise en situation dans l’exposition du MOMA sur l’image du dessus) l’une des plus grande photographie de guerre de David Douglas Duncan ?

C’est un putain de massacre auquel il s’est livré. Il a foutu en l’air toute la composition que Duncan s’était évertué a créer avec la découpe du cadre en diagonale entre masse sombre et claire et la colonne de soldats qui part sur l’arrière plan en s’enroulant sur elle même quasiment en suite de Fibonacci. C’est du sabotage !

Un an après le début de la guerre de Corée, il publie « This is war! » en 1951, compilation de ses reportages pour le magazine Life. C’est un choc. Jamais en plein conflit, on avait montré et décrit la réalité d’une guerre de cette façon. Combattants hagards, cadavres, soldats endurcis en larmes, l’ancien combattant est comme son confrère et ami Robert Capa au plus près de l’action. Il n’aura de cesse de dire sa révolte au gré de ses livres:  « I Protest » (Je proteste) et « War Without Heroes » (La guerre sans héros) sur la guerre du Vietnam.

Tout en rappelant la violence indicible et la privation rongeante de ces années, Duncan tient à féliciter les alliés sud-coréens des Américains.

« La chose qui me vient à l’esprit tout de suite, en ce moment, quand on regarde à nouveau ces photos, c’est qu’à aucun moment, aucun marines n’a senti qu’il devait regarder autour de lui pour voir ce que faisaient les Sud-Coréens. derrière lui. Les Marines en Corée n’ont jamais craint de «tirs amis» ou d’artillerie venant des Sud-Coréens de leurs alliés comme ils l’ont fait plus tard au Vietnam, se battant avec les Sud-Vietnamiens. On pouvait faire confiance aux Coréens. »

David Douglas Duncan –

Le deuxième chapitre du livre This is War ! de David Douglas Duncan, n’est pas présenté dans l’exposition Korea : The Impact of war. C’est dommageable car il s’agit de prise de Séoul en 1950, il montre la tragédie qui touche les civils coréens et pas seulement les combattants. La photographie ci-dessus a une force incroyable du fait de sa composition.

Il y a dans la composition de cette image de David Douglas Duncan un peu de la grande vague de Kanagawa de Hokusai.

La forme de la crête du ravin dans laquelle progresse la colonne de soldats, et qui semble vouloir s’ébattre sur elle reprend l’allure générale de la vague d’Hokusai, la colonne de soldats elle même reprend la forme fuselée des frêles embarcations de l’oeuvre d’Hokusai. Je ne sais si c’est mon imagination qui me joue des tours, paréidolie quand tu nous tient, mais j’ai l’impression que la silhouette de la crête du ravin prend la forme d’une tête de lion, menaçant les hommes, comme la crête d’écume de la Grande vague de Kanagawa, avec ses tentacules prend la forme d’un monstre marin. Au loin, la forme rassurante du mont Fuji et remplacée d’une part les courbes harmonieuses qui s’enlacent tel le ying et le yang des deux collines de l’arrière plan, l’une claire et enneigée, l’autre sombre, couverte de végétation, on est proche d’un concept d’harmonie chaotique, et d’autre part, par des silhouettes qui émergent sur l’horizon du sommet de la colline la plus éloignée, s’agit il seulement de végétation, de soldats amis couvrant la retraite de cette colonne ou de l’armée ennemie s’apprêtant a lancer un attaque, …

La photographie de ce soldat pétrifié par froid glacial lors de la retraite de la bataille du réservoir de Chosin est l’une des image iconique de l’oeuvre de David Douglas Duncan et de la photographie de guerre du XXème siècle.

A mon avis il est intéressant de noter que l’une des photographie de Han YoungSoo semble être un écho à cette image iconique du conflit.

Une composition classique avec une belle diagonale qui split le cadre en deux, entre zones sombres et claires, renforcée par la ligne que forme la laisse du chien et le fil électrique de la radio ou d’un équipement militaire.

« De ce point de vue, dans Korea: The impact of war (1951), les doutes sur l’envoi de soldats américains dans une bataille régionale lointaine sont reconnus (dans une juxtaposition prudente des photographies de David Douglas Duncan), uniquement, pour être ensuite neutralisés dans le cadre de l’exposition qui mettait l’accent sur des images sensationnalistes de la puissance militaire américaine. »

Christopher Phillips – The Judgment Seat of Photography, revue October, 1982

Steinchen , revient dans son autobiographie, publiée en 1963, sur les trois expositions consacrées au combat qu’il a monté au MOMA; Road to Victory, Power in the Pacific et Korea : The Impact of war, dans ces termes.

« Même si j’avais présenté la guerre dans toute sa morosité dans les trois expositions, je n’avais pas accompli ma mission. Je n’avais pas incité les gens à entreprendre une action ouverte et unie contre la guerre elle-même … Qu’est-ce qui n’allait pas? J’en suis venu à la conclusion que je travaillais à partir d’une approche négative, qu’il fallait une déclaration positive sur ce qu’est une vie merveilleuse, à quel point les gens étaient merveilleux et, surtout, à quel point les gens se ressemblaient dans toutes les parties du monde. »

Edward STEINCHEN – A Life in Photography 1963

Cette vision positive et universelle de l’humanité, il va la mettre à l’oeuvre dans son exposition The Family of Man.

The family of man

Présentée comme « la plus grande exposition photographique de tous les temps », The Family of Man est conçue dans les années 50 par le photographe américain et directeur du département photographie du MoMa, Edward Steichen.

Elle est inaugurée le 24 janvier 1955, au MoMa et réunit 503 photographies de 273 photographes professionnels et amateurs, renommés ou inconnus, en provenance de 68 pays.

L’exposition parcourt ensuite le monde entier, s’arrêtant notamment en Allemagne dès 1955, en France, sous le titre « La Grande famille des hommes » au Musée d’art moderne de la ville de Paris ainsi qu’au Japon en 1956, mais aussi en Afrique du Sud, en Inde, au Mexique, Zimbabwe, en Australie, en Russie, … En l’espace d’une décennie elle est vue par plus de 9 millions de visiteurs.

The Family of Man brosse un portrait de l’humanité, insistant sur les différences entre les hommes mais aussi leur appartenance à une même communauté. Elle s’organise autour de 37 thèmes tels que l’amour, la foi en l’homme, la naissance, le travail, la famille, l’éducation, les enfants, la guerre et la paix. L’intention de Steichen était de montrer d’une part l’universalité de l’expérience humaine, mais aussi la formidable capacité de la photographie à rendre compte de cette expérience humaine universelle.

Dans le contexte de la guerre froide cette exposition été vraiment calibrée pour un pays comme la Corée.

En tant que défenseur de la photographie, Limb Eung-Sik a présenté l’exposition légendaire du MoMA de New York, «La famille de l’homme» au Musée national d’art moderne et contemporain (MMCA) de Séoul en 1957, qui a été reconnue comme la première grande exposition de photographie en Corée.

A mon sens tout le monde a senti que c’était la direction a prendre, que documenter la vie quotidienne, …

L’exposition du groupe Shinsunwhui Shinsunhoi au magasin Shinsegae de 1957

Cette étude vise à expliquer la relation entre les clubs de photographes amateurs des années 50 et 60 et le discours photographique. La culture de la photographie coréenne se développe avec différents clubs photo. Surtout les clubs des années 50-60 n’étaient pas seulement le sujet qui a produit lui-même le discours de cette période, mais les avant-gardes qui ont pratiqué ce discours à travers le travail photographique.
, fondée en 1956 par Yi Hyungnok et plusieurs photographes, revendiquait un réalisme photographique. Le réalisme qui recherche ce club amateur n’était pas différent de Senghwaljuoi (signifiant vie + isme) maintenu par Lim Eungshik, grand représentant d’un autre réalisme dans les années 1950. Ce réalisme était un discours principal dans les années 1950, distingué de ce que l’on appelle le «tableau de salon» à l’époque coloniale japonaise.
était un autre club photo amateur fondé par Yi Hyungnok, fondateur de Shinsunhoi, et plusieurs jeunes photographes. Ce club revendique un élément plastique dans le réalisme. Leur essai a introduit un nouveau discours sur la photo moderne dans la photographie coréenne des années 1960.
a succédé au Salon Ars en 1961 pour étendre une possibilité de photo plastique et de réalisme. Divers jeunes photographes de ce club ont tenu des réunions d’étude régulières sur la photo moderne et la théorie de l’art, ont montré des œuvres photographiques nouvelles et expérimentales.
Ces trois clubs photo amateurs sont importants car ils représentent le principal discours de la photographie coréenne dans les années 50-60. Du réalisme à la photo moderne, ils ont été sujet et objet de ce discours.

HCBC, c’est du Bibimbap

Disclaimer | Très clairement cette partie de mon article fait écho à excellent article de Thomas Hammoudi « Pourquoi Henri Cartier-Bresson, c’est de la pizza »

Le Bibimbap c’est long à préparer, c’est servi dans un creuset en pierre chauffé à l’extrême longuement sur le feu pour tenir le plat au chaud durant la dégustation; c’est très beau quand il est servi, mais le meilleur moment c’est quand on rajoute la « Gochujang » (pâte de piment coréenne) et qu’on mélange.

C’est pour moi comme la photographie de HAN Youngsoo, il y a quelque chose de beau, venu des profondeur de la terre et maintenu au chaud dans le creuset d’une culture millénaire, avec du piquant, de l’appétit pour l’avenir, la modernité.

Etant nul en cuisine coréenne (Je me débrouille par contre pas trop mal en cuisine européenne), je laisse le soin à ma femme de nous régaler avec de merveilleux plats de la gastronomie coréenne, je ne vais pas vous donner une recette du bibimbap, mais plutôt une liste d’ingrédient.

Une certaine idée de la Corée,entre traditions et modernité

Les campagnes françaises connaissent une véritable révolution au lendemain de la Seconde Guerre mondiale. D’un pays très rural, on passe à une France urbanisée et tertiarisée. Les photographes humaniste sont les témoins de ce bouleversement. Même s’ils concourent à forger une imagerie national par le recours à des stéréotypes de francité, la valeur documentaire de leurs photographies est forte, ne serait-ce que parce qu’elles sont révélatrices de l’imaginaire d’une époque.

Des hommes en blanc au hommes en noir

Youngsoo Han a eu droit de cité et livre des visions authentiques et rares de la Corée des années 1950 : des détails modestes du quotidien, la mobilité et l’errance des individus captées au fil des saisons.

Plus qu’un monde de traditions qui s’écroule, c’est la transformation de ce monde, son chemin vers la modernité, qui est le sujet de sa photographie.

Séoul et la modernité, une constante depuis plus de soixante-dix ans

Changement d’enseigne

Un changement d’enseigne est un acte qui traduit la transformation d’une ville, d’un tissu urbain

J’ai eu la chance de photographier Séoul, il est encore possible de photographier quasiment les mêmes scènes que Han Youngsoo

Je n’avais encore jamais la photographie de Han Youngsoo ci-dessous quand j’ai shooté cette image en 2018 à Séoul. Aujourd’hui, en les voyant à côté, même si je regrette un peu de ne pas avoir envoyé un cadrage plus frontal, je me dis quand même temps le fait que j’ai fais le choix de couper le bas de la scène, ce qui est un frustrant, m’a permis d’éliminé les voitures stationnées devant et donne un côté plus intemporel à la scène qui permet de bien faire coller les deux images.

Formes architecturales et modernité

C’est shooté en 2018 exactement dans le même quartier de Euljiro. J’aime bien l’effet de miroir des perspectives entre les deux.

Réalisme de la vie et réalisme poétique

Rues sombres et mystérieuses, peuplées de silhouettes en contre-jour, effets de lumière sur les pavés humides, atmosphères pluvieuses, neigeuses ou brumeuses… Il s’agit pour les photographes humanistes de révéler la poésie cachée au cœur du réel le plus banal, de rendre sensible ce « merveilleux de la vie quotidienne » qu’évoque René Jacques, ou encore de retrouver le « fantastique social de la rue » cher à Pierre Mac Orlan. On est proche, ici du « réalisme poétique », caractéristique, selon Georges Sadoul, du cinéma français des années trentes (Carné, Renoir).

Les photographes humanistes ont pourtant entretenu un rapport souvent ambigu à leur esthétique. Ils entendaient privilégier le fond sur la forme, se placer en posture d’enregistrement du réel en refusant tout artifice technique et autres manipulation en laboratoire. Or la plupart d’entre eux possédaient une solide culture artistique ( André Garban, Henri Cartier Bresson, Pierre Jahan, Werner Bischof, Jacques Darche furent peintre, dessinateurs ou graphistes pour ne citer qu’eux). Leur cadrage, leur composition, leur travail sur la lumière sont toujours rigoureux et peu hasardeux.

La ville humide

Paris n’a pas été inondé

« Malgré les embarras ou les malheurs qu’elle a pu apporter à des milliers de français, l’inondation de Janvier 1955 a participé de la fête, plus que de la catastrophe. « 

Roland Barthes – Mythologies

Car l’arche est un mythe heureux : l’humanité y prend ses distances à l’égard des éléments, elle s’y concentre et y élabore la conscience nécessaire de ses pouvoirs, faisant sortir du malheur même l’évidence que le monde est maniable. »

La ville de glace et de neige

Une vision optimiste de l’homme

La place de femme

Le monde des enfants

La ville de beauté

La ville inconnue, le mystère

Conclusion

 HCBC un HCB pas sacralisé

En écho à l’article de Thomas Hammoudi, Pourquoi Henri Cartier Bresson c’est de la Pizza.

Oublié durant très de 40 ans, à la différence de HCB, Han Young Soo n’a pas été sacralisé et idéalisé, on pas écrit un max de connerie (merde peut être que je suis en train de le faire)

Colde, aux oreilles | La bande originale de l’article

Pendant l’écriture de cet article, j’ai écouté le hip hop incisif, mélangeant beats puissants et mélodies plus soul du jeune rappeur coréen Colde.

Colde, l’un des auteurs compositeurs interprètes hip hop et R&B les plus talentueux de la scène actuelle coréenne. Chanteur du duo OFFONOFF avant de se concentrer sur sa carrière solo, il a longtemps uni sa voix douce et suave, son phrasé puissant, ses talents de compositeur aux productions d’artistes reconnus du monde du hip-hop coréen, comme Tablo (Epik High), Crush, Loco et Code Kunst, il en ressort notamment le magnifique titre rain bird de Code Kunst (feat Tablo & Colde). Ou le titre un peu à part mais vraiment trop cute, Your dog loves you (feat. Crush)

Il s’est d’ailleurs fait suffisamment remarquer pour avoir l’honneur de présenter son titre Shhh sur l’ultra chic chaîne Youtube A Colors Show et son titre Loss sur la chaîne SM Station 3

Du duo OFFONOFF on retiendra un titre phare Cigarette (Feat. Tablo & Miso), la belle ballade Moon, 12 :04am, le sexy Good2me (feat. Punchnello), et surtout quand on aime la photographie le génial Photograph et son clip qui est juste un pur bonbon qui nous donne envie de déclencher en permanence.

Sa musique propose une balade souvent mélancolique dans la Corée d’aujourd’hui, comme sur son deuxième album Love part 1 (2019), ou son sublime Don’t leave me, my love, avec son texte ultra poétique et un clip dans la même ligne d’ambiance et de colorimétrie que celui de Photograph qui démontre une nouvelle fois la sensibilité de Colde pour la photographie; le tout doux Loss et encore sur le génial Love is a flower, I fxxking love you ;  proposant également des parenthèses plus ensoleillées comme avec son dernier titre en date Control me, annonciateur d’un déjà troisième album ou sa collab avec Dean  sur le titre Sun flower.

Mais Colde c’est aussi des titres au phrasé tranchant dans la pure tradition hip hop séoulite comme son Yayaya (feat. Omega Sapien) et son Shh dans A Color Show comme le Love de Dean ou encore sa dernière collab en date avec le rappeur Khakki sur le titre Bass (butterfly effect). Dernier aspect de la personnalité musicale de Colde, le côté planant aux accents électro de son album Wave (2018) avec les titres String (feat. Sun Woo Jung Ah), Space.

Depuis sa monumentale reprise du D.N.A de la sombre bousasse qu’est BTS (le plus gros groupe de Kpop ever !!!), même les fans français de Kpop, souvent étudiants en LEA anglais coréen et aux cheveux peinturlurés en couleurs arc-en-ciel, se sont mis à écouter du hip hop coréen. Il ne faut jamais perdre espoir !

Aujourd’hui, j’ai décidé de prendre le prétexte d’un film publicitaire pour des bagnoles pour vous parler de photographie coréenne. Surprenant, non ?

La réclame en question est le nouveau film de « brand storytelling », récit de marque, dans la langue de Molière, pour ceux à qui l’utilisation de la novlangue marketing casse les bonbons (perso, je n’y suis pas réfractaire), du constructeur automobile Hyundai. Je vous invite à le regarder.

A ma connaissance c’est la première fois qu’une marque coréenne retrace ainsi son histoire dans une publicité internationale. C’est surprenant a plus d’un titre, car traditionnellement la communication des entreprises coréennes est plutôt orientée vers le futur et la technologie que sur le passé, l’histoire, le patrimoine ; le paradoxe ultime étant que Hyundai signifie en coréen « modernité ».

La réalisation de cette publicité nous entraîne à rebours à travers plusieurs tableaux évoquant l’histoire de la marque et de la Corée.

Ce qui est plus surprenant, c’est que pour un œil avertit, le film est parsemé de références photographiques.

“le progrès n’arrive pas par chance, il est façonné par son histoire”, au travers du prisme de la photographie

Ou plutôt à l’envers, car la publicité démarre sur l’image du Hyundai Nexo, véhicule à hydrogène, qui préfigure une partie de l’avenir automobile pour Hyundai.

Le traitement graphique, la mise en scène, permettent d’introduire le côté surnaturel et mystérieux qui justifie le montage en sens inverse du film. L’univers photographique utilisé ici n’est pas sans rappeler celui de Gregory CREWDSON. (Le Edward Hopper de la photographie)

On remonte ainsi le temps au travers des années 2000 avec l’évocation du lancement du Hyundai Tucson, le best-seller de la marque. Son dévoilement dans des effets de drapé, renvoie à la fois à un grand classique de l’histoire de l’art et n’est pas sans rappeler une certaine idée de la photographie de mode.

Un bref passage dans les années 90 de la Hyundai Coupé dans un Séoul sous la pluie doté d’une ambiance à la Blade Runner 1982 de Ridley Scott.

Au passage si vous souhaitez comprendre la relation entre Séoul, Los Angeles et l’univers dystopique du Blade Runner de Ridley Scott, je vous conseille de jeter un coup d’œil à ce court documentaire d’Arte.

En faisant de la photographie à Séoul il est difficile de ne pas se laisser tenter par ce type d’ambiance à un moment ou un autre. J’en ai fais l’expérience.

La séquence suivante est à mes yeux la plus riche en références photographiques, elle illustre les années 80, avec la Hyundai Stellar, dans l’ambiance d’un « dinner » restaurant populaire, toute à la Edward HOPPER comme au départ avec CREWDSON, mais avec ici une référence photographique plus proche de l’univers de William EGGLESTON, voir de Harry GRUYAERT dans le dernier plan de la séquence.

On note au passage l’expression de satisfaction ou d’envie de la jeune femme, qui n’est pas sans rappeler une de mes photographies préférées d’un de mes photographes préférés, René BURRI.

Cette image est là pour illustrer le long parcours de l’émancipation de la femme coréenne. L’automobile y ayant joué probablement un rôle significatif. A travers cette image, à titre personnel je retrouve le sourire, la satisfaction de ma femme, Séoulite quand elle évoque le souvenir de sa première voiture, une Hyundai.

Nota | Je vais mettre tout de suite un bémol a ce que viens de dire, avant qu’on me le reproche, en vous recommandant la lecture du roman Kim Jiyoung, née en 1982 de Cho Nam Joo

Pour finir la partie de l’histoire liée à la branche automobile de la marque coréenne. On est replongé dans les années 70, avec le lancement de l’icône absolue de l’automobile coréenne, la Hyundai Pony, le premier modèle 100% coréen. Le coup de flash qui fait la transition de la séquence nous autorise si on avait encore des doutes à voir dans ce film un jeu de piste photographique.

Ici le photographe est occidental pour illustrer la volonté d’ouverture au monde de la Corée des années 60, 70. Mais le hanbok (vêtement traditionnel) de couleurs vives comme la Pony et le sourire de l’hôtesse viennent apporter toute l’élégance et le raffinement de la culture coréenne.

Comme il s’agit d’une publicité d’image, destinée à améliorer la notoriété de Hyundai et pas forcément à générer des arrivées massives de clients en concessions, la vidéo ne s’arrête pas là. Le groupe industriel, plus vaste que sa seule branche automobile que nous connaissons en Europe, a entendu donner sa version de l’histoire du groupe et sa place dans l’histoire de la Corée.

Ainsi les tableaux suivants passeront en revue les activités de construction navale, de construction d’infrastructure, de travaux publics et de sidérurgie de Hyundai.

« Je cherchais un angle de vue, une forme dans le rectangle du viseur, un ordre dans ces milliers d’éléments métalliques modifiés à chaque instant par les déplacements des ouvriers »

Marc Riboud

La construction de pont, la sidérurgie, la construction de route (l’un des grands faits d’armes de Hyundai est d’avoir été le constructeur de la première autoroute Séoul – Busan, aujourd’hui après avoir été associé durant de nombreuses années au français Alstom, Hyundai Heavy equipements est le constructeur des nouvelles rames de KTX (TVG français rebadgé coréen) et est un acteur majeur de l’aménagement du territoire de la péninsule.

On pourra regretter que la publicité passe allégrement sous silence les luttes sociales auxquels les travailleurs du chaebol ont pris part et lesquelles ont été durement réprimées les dirigeants de l’empire avec l’appuis du pouvoir militaire en place durant ces années.

Massacre de Gwangju.

Il ne faut pas être plus royaliste que le roi, ou en l’occurrence plus révolutionnaire que le révolutionnaire. Ce n’est pas le rôle d’une pub corporate de définir le rôle d’un empire industriel dans l’histoire sociale et politique du pays, c’est le rôle des historiens et de la société dans son ensemble.

Le traitement photographique de cette époque de reconstruction, culmine avec le dernier (ou plutôt premier) tableau, celui ou le fondateur de Hyundai dans une descente toute romancée et dramatisée « à la mine » lance un regard ambitieux vers l’avenir. Amenant ainsi de manière expressive le slogan de la campagne publicitaire “le progrès n’arrive pas par chance, il est façonné par son histoire”.

Comment ne pas voir dans scène est une grandiose reconstitution de la Serra Pelada du Gold de Sebastiao Salgado  

L’image de la mine est si on considère la biographie exacte de CHUNG Ju-yung, fondateur de Hyundai, une exagération flagrante. Cela n’a rien de véritablement étonnant quand on connait à quel point CHUNG Ju-yung est un personnage légendaire de la Corée moderne.

Il n’en demeure pas moins que c’est une image raisonnable du travail de forçats qu’ont effectuer la génération des parents de mon épouse pour relever, reconstruire le pays après la guerre et en faire ce qu’il est aujourd’hui, la huitième économie mondiale, une société dynamique, ouverte et qui entend rayonner sur le monde au travers de sa culture.

L’accent est donc porté sur la reconstruction, la capacité a se relever, a se retrousser les manches et a construire l’avenir.

Ainsi, si on remet les choses à l’endroit, il n’est pas déconnant de voir ce film publicitaire comme une forme d’hommage des coréens d’aujourd’hui à leurs aînés mais aussi d’une certaine manière à la carrière d’un immense photographe coréen.

Voici un exemple d’article, publié initialement dans le cadre de la Blogging University. Inscrivez-vous à l’un de nos dix programmes et lancez votre blog.

Vous allez publier un article aujourd’hui. Ne vous inquiétez pas pour l’apparence de votre blog. Ne vous inquiétez pas si vous ne lui avez pas encore donné de nom ou si vous vous sentez dépassé. Cliquez simplement sur le bouton « Nouvel article » et dites-nous pourquoi vous êtes ici.

Quel est votre objectif ?

• Vos nouveaux lecteurs ont besoin de contexte. De quoi parlerez-vous ? Pourquoi devraient-ils lire votre blog ?
• Cela vous aidera à vous concentrer sur vos idées à propos de votre blog et sur la façon dont vous souhaitez le développer.

L’article peut être court ou long, contenir une introduction personnelle sur votre vie, décrire la mission de votre blog, présenter un manifeste pour l’avenir ou énoncer simplement vos sujets de publication.

Pour vous aider à commencer, voici quelques questions :

• Pourquoi créez-vous un blog public au lieu de tenir un journal personnel ?
• Quels seront les thèmes que vous aborderez ?
• Quelle est la cible privilégiée de votre blog ?
• Si votre blog passe la première année avec succès, qu’espérez-vous avoir accompli ?

Répondre à ces questions ne vous enferme pas définitivement dans une voie. Ce qui est magnifique avec les blogs, c’est qu’ils sont en constante évolution au fur et à mesure de vos apprentissages, de votre développement et des interactions avec autrui. Il est toutefois opportun de savoir où et pourquoi vous vous lancez. L’articulation de vos objectifs peut simplement contribuer à apporter de nouvelles idées d’articles.

Vous ne savez pas trop comment commencer ? Écrivez simplement la première chose qui vous passe par la tête. Anne Lamott, auteur d’un excellent livre sur le processus d’écriture, affirme qu’il est nécessaire de s’autoriser un « premier jet bordélique ». C’est un enseignement essentiel : commencez par écrire, vous vous occuperez de retoucher votre texte plus tard.

Une fois que vous êtes prêt à publier, attribuez à votre article trois à cinq étiquettes qui décrivent son sujet : littérature, photographie, fiction, parentalité, alimentation, voitures, films, sports, etc. Ces étiquettes aideront les internautes intéressés par ces sujets à vous trouver dans le Lecteur. Veillez à ce que l’une de ces étiquettes soit « zerotohero », afin que les nouveaux blogueurs puissent vous trouver également.